Высокая мода появилась во Франции в середине XIX века. С тех пор Париж по-прежнему остается мировой столицей этого вида искусства. Показывая шедевры музея Гальера, парижская мэрия отдает должное миру моды, одному из бриллиантов в короне французской культуры.
Выставка открывается бальными платьями одного из первых представителей высокой моды Чарльза Фредерика Уорта и вечерними платьями парижского модельера высшего класса, одного из самых влиятельных создателей моды, Поля Пуаре. За ними следуют платья таких классиков высокой моды как Жанна Ланвен, Пьер Бальман, Кристиан Диор и Ив Сен-Лоран. Закрывают экспозицию более «современные» модели: костюмы Шанель 50-х годов и платья Пьера Кардена из 60-х.
Клиенты первого из великих кутюрье Чарльза Фредерика Уорта долгое время отказывались носить платья с крупным рисунком, мотивируя это тем, что не хотели быть одетыми в обивочную ткань. Только в конце XIX века такие ткани стали популярными в среде парижских аристократов. Графиня Элизабет Греффюль одной из первых начала носить подобные платья. Взгляды Уорта на моду в конце XIX века пересекались с «цветочной» эстетикой стиля «модерн». Тяжелый розовый атлас контрастировал с тюлем с вышивкой, украшенным бантами, придавая эффект тромплёй, создавая иллюзию трехмерного пространства.
Ателье Уорта, Париж 1907
Поль Пуаре доминировал в мире высокой моды в самом начале ХХ века. Благодаря Полю Пуаре, корсет на долгие годы пропал из гардероба женщины. Тем не менее, это можно назвать «поверхностной» революцией, потому что женщины продолжали пользоваться специальным спинным ремнем, поддерживающим бюст.
Еще одной заявкой Поля Пуаре на известность можно назвать многоцветные восточные мотивы, которые модельер ввел в моду. «Когда я начал свою работу в моде, у меня было ощущение, что в тогдашней палитре совсем не осталось цветов, — писал Поль Пуаре в своей книге «Одевая эпоху», — увлечения тонкостями в XVIII веке привели женщин к аморфному состоянию. Обморочный розовато-лиловый, нежно-голубые гортензии — все это было мягким, полинявшим, пресным. Я добавил в эту клоаку красный, зеленый, фиолетовый и заставил все остальные цвета танцевать вокруг них».
1920-е годы были переполнены безрассудной тягой модельеров к хрустальной вышивке везде и во всем. Модель вечернего платья Жанны Ланвен как раз является хорошим тому примером. Платья служили доказательством неумеренной тяги кутюрье к вышивке и хрусталю. Наряду с тем, что платья соответствовали основным тенденциям двадцатых, таким как угловатость и многоярусность, они заявляли и о новых направлениях десятилетия – о монохромности и драпировке.
В феврале 1947 года Кристиан Диор запустил первую коллекцию своего дома моды. Для моделей Кристиана Диора были характерны покатые плечи, осиные талии и широкие бедра. Юбки Кристиана Диора были заметно длиннее юбок его коллег по цеху. Возвращаясь к женственным женским формам предыдущего столетия, Диор ставил перед собой задачу уйти от «женщин-солдат, сложенных как боксеры», превалировавших после Второй мировой войны.
Кармель Сноу, главный редактор американского Harper's Bazaar, сразу же охарактеризовала новую коллекцию Кристиана Диора как «new-look». Благодаря Диору, Париж в очередной раз стал мировой столицей моды после долгих лет оккупации, которая служила препятствием для иностранных байеров. Французские женщины с воодушевлением восприняли возвращение их женственности, символически повернувшись спиной к периоду утрат и национального унижения.
Пьер Бальман основал свой Дом моды сразу после Второй мировой войны. Пьера Бальмана можно было назвать самым внимательным кутюрье по отношению к желаниям его женщин-клиентов. Мода на «jolie madame», родоначальником которой он стал, была стремлением к элегантности, которая, тем не менее, не была ни пышной, ни роскошной. В шелке и кремовом атласе вечерних платьев прослеживался шарм десятилетия и подчеркивались женственные линии. Гирлянды классического дизайна, создаваемые за счет вышивки, опоясывали платья, подчеркивая их благородные формы.
В начале шестидесятых кутюрье Ив Сен-Лоран, Пьер Карден и Пако Рабан ввели в моду новые тенденции, отдалившись от форм 50-х, создав более «геометрические» силуэты. Дух свободы, витавший в обществе, вдохновил модельеров на создание новых атрибутов эпохи. Юбки стали короче, доминировали более плавные формы, подчеркивая растущую самостоятельность женщины. Яркие, привлекающие внимание цвета сыграли роль, которую играют красочные мотивы в искусстве. Ив Сен-Лоран для своей коллекции использовал в качестве вдохновения абстрактные работы Пита Мондриана, в то время как Пьер Карден обратился к течению оп-арт (не путать с «поп-арт»!), использовавшему различные оптические иллюзии.
Коко Шанель прославилась прежде всего за счет своего «маленького черного платья» 1926 года и за счет ее женского костюма 1954 года, который послужил началом нового тренда, развившегося в 1960-х годах. Благодаря нарочито упрощенному виду, костюмы Шанель стали созданиями высокой точности. Предпочтение отдавалось редчайшим видам твида, ткань собиралась из вертикальных полос, подчеркивая движения тела без его деформации. Утяжеленный элемент обрамлял низ пиджака, удерживая его в положенном месте при любых обстоятельствах.
В 1983 году Карл Лагерфельд принял бразды правления модного дома Шанель. В своих первых работах для дома Шанель Карл Лагерфельд объединил три элемента костюма Коко в один. Карл Лагерфельд использовал упоминавшийся выше эффект тромплёй: платье казалось костюмом благодаря специальным горизонтальным полосам.
КАРТИНКИ С ВЫСТАВКИ

Russian interpreters in Russia